Развитие русской живописи

104957

Древнерусская живопись зародилась на рубеже 9-10 веков на основе иконописных традиций, пришедших из Византии. Именно иконы являются основным жанром древнерусской живописи. Христианская религия учит, что в основе иконы лежит учение о Боговоплощении, то есть икона сама по себе является выражением веры. А значит, главное в иконе – вызвать у молящегося перед ней человека впечатление присутствия Бога, его причастности к жизни людей. Все это достигалось применением особых средств художественной выразительности: обратной перспективы, соподчиненного изображения фигур, построением особого пространства в иконе, для которого характерно наличие нескольких точек зрения.

Древнерусскую живопись, как и все искусство, можно разделить на несколько периодов: эпоха Киевской Руси (9-12 вв.), феодальная раздробленность (12-13 вв.), свержение татаро-монгольского ига и начало объединения земель (14-15 вв.), создание централизованного государства во главе с Москвой (конец 15-16 вв.). Для каждого из этих периодов характерны свои особенности.

Со второй половины 12 в. Киевская Русь стала распадаться на более мелкие княжества, поэтому в 13-14 вв. в различных русских городах появляются собственные иконописные школы и традиции. Главные из них находились в Новгородском, Владимиро-Суздальском и Ярославском княжествах. Новгородские иконописцы сразу же отказались от византийских традиций, они видели в святом не только аскетизм и подвижничество, но и понимание земной жизни людей, сочувствие им, которое позже ярко проявится в иконописи Андрея Рублева. Одним из любимейших для новгородцев был образ святого Георгия, который считался покровителем воинов и торговцев. На иконе 12 в. он предстает молодым, в доспехах и с копьем в руке.

Со второй половины 14 в. на волне растущего национального самосознания русских людей начался небывалый подъем русской культуры, в том числе и живописи. Первым вышло из оцепенения, в которое его повергло татаро-монгольское иго, искусство Новгорода. К этому времени изменилось мировосприятие людей и отчасти их отношение к религии, образы святых становились все более приближенными к людям, композиции библейских сцен строились свободнее, в них начали отражаться мысли и переживания людей того времени.

Под влиянием иконописи Феофана Грека новгородские художники в конце 14 – начале 15 вв. расписывают церковь Федора Стратилата и церковь Успения Богоматери на Волотовом поле. Во фресках и иконах первой из них прослеживается та же свобода в изображении образов, та же легкость и плавность линий, что и в иконописи греческого мастера, но нет характерных для его образов драматичности и напряженности. В росписях Успенской церкви присутствуют композиции (не встречавшиеся нигде ранее), которые наглядно изображают таинство, совершающееся во время моления, – непосредственное общение с Богом. Новгородская иконопись была простой и лаконичной, без лишних деталей, но в то же время в ней присутствовало глубокое понимание библейских сюжетов и образов святых.

В живописи А. Рублева сочетаются лучшие традиции византийской и русской школ иконописи, образы Христа и святых светятся внутренней духовной силой, обращены к людям, сочувствуют им.
Андрей Рублев. «Троица»

К началу 15 в. относится творчество не менее знаменитого иконописца Андрея Рублева. Его «Троица» (1425-1427) стала для народа олицетворением духовного согласия и единения русских людей. В живописи А. Рублева сочетаются лучшие традиции византийской и русской школ иконописи, образы Христа и святых светятся внутренней духовной силой, обращены к людям, сочувствуют им.

Со второй половины 15 в. культурным центром России становится Москва, и здесь же живут и работают талантливые художники. Самый известный из них – Дионисий. Он расписал Успенский собор в Москве, храм Иосифо-Волоколамского монастыря, храм Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря. Дионисий опирался в своем творчестве на традиции А. Рублева, но это не было слепым подражанием мастеру, созданные им образы праздничны и полны благородства. Художественный стиль Дионисия отличает выверенность пропорций, яркость красок и цельность композиций.

В первой половине 16 в. русская иконопись продолжает развиваться, но уже не в направлении к народу, а скорее, от него, потому что композиции заметно усложняются, появляются сюжеты со многими персонажами, и иконопись в целом становится торжественной и величественной. Сюжеты становятся символичны и для их правильного понимания нужно хорошее знание Библии. Со второй половины 16 в. в русскую иконопись начинают проникать западноевропейские веяния, отразившиеся на сюжетах, колорите икон, тщательной проработке деталей. Все это привело к складыванию в конце 16 – начале 17 вв. так называемой «строгановской школы» письма.

Для русского изобразительного искусства 17 век был переходным периодом. В иконописи все отчетливее проявлялись черты светского искусства. Художники уделяли большое внимание изображению мелочей, прорисовке фона, украшению иконы, а образы святых и сюжеты стали подчиняться установленным канонам. Таким образом, иконы перестали выполнять главную свою функцию – вызывать у людей ощущение святости, присутствия Бога. Светская и духовная власть старались подчинить своему влиянию всех выдающихся живописцев своего времени. Для этого в 1640 году при Оружейной палате в Кремле была открыта иконописная мастерская, ставшая одной из первых художественных школ на Руси.

В 17-18 веках русская живопись полностью освободилась от церковных традиций, отделилась от церковной живописи и начала создавать собственные жанры и направления. Если в 18 веке художники большое внимание уделяли реалистичному изображению человека, то в следующем веке главными темами картин станут природа, история и общество.

В первой половине 19 века русское изобразительное искусство развивается в рамках академической школы живописи. Большое распространение получают исторический и батальный жанры, что связано с победой в Отечественной войне 1812 года и подъемом национального самосознания. С середины 60-х годов 19 века русские художники обращаются к темам народной жизни, в изобразительном искусстве появляется социально-бытовой жанр. В последние десятилетия века он частично заменяется пейзажем в стиле импрессионизма, в живописи русских художников появляются черты неоклассицизма и модерна.

Академическая школа живописи в начале 19 века занимала прочные позиции законодательницы художественных стилей и направлений. Основным методом был классицизм, основными жанрами – портрет, декоративный пейзаж и историческая живопись.

Молодые художники были недовольны непримиримым консерватизмом Академии и, чтобы не писать картины на библейские и мифологические сюжеты, обращались к портретному жанру и пейзажу. В них все чаще появлялись черты романтизма и реализма.

В портретной живописи О. А. Кипренского встречается немало романтичных образов: портрет мальчика А. А. Челищева (1810-1811), супругов Ф. В. и Е. П. Ростопчиных (1809), супругов В. С. и Д. Н. Хвостовых (1814), Е. С. Авдулиной (1822). В портретах художник стремился выразить индивидуальность, внутренний мир человека. Для этого он использовал различные средства художественной выразительности: цветовые и светотеневые контрасты, пейзажный фон, символические детали. Одним из лучших романтических портретов О. А. Кипренского является портрет молодого А. С. Пушкина.

Не все замыслы были осуществлены художником, но его романтические искания нашли отражение в творчестве следующего поколения художников.

С 50-х годов 19 века основным направлением русского изобразительного искусства становится реализм, а главной темой – изображение жизни простого народа. Утверждение нового направления проходило в упорной борьбе с приверженцами академической школы живописи. Они утверждали, что искусство должно быть выше жизни, в нем нет места русской природе и социально-бытовым темам. Однако академики были вынуждены пойти на уступки. В 1862 году все жанры изобразительного искусства были уравнены в правах, это значило, что оценивались только художественные достоинства картины, независимо от тематики.

Кроме того, искусство стало ближе к народу благодаря деятельности передвижников, а в 90-х годах 19 века были открыты первые общественные музеи: Третьяковская галерея в Москве и Русский музей в Петербурге.

Не все художники второй половины 19 века открыто выступали против академической школы. И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. А. Серов благополучно закончили Академию художеств, взяв из нее все лучшее. В творчестве И. Е. Репина представлена народная («Бурлаки», «Крестный ход в Курской губернии»), революционная («Отказ от исповеди», «Арест пропагандиста»), историческая («Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану») темы. В. И. Суриков прославился историческими картинами («Утро стрелецкой казни», «Боярыня Морозова»). В. А. Серову особенно удавались портреты («Девушка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем»).

В последних десятилетиях 19 века русские художники стали больше внимания уделять технике исполнения рисунка, стилизации, сочетанию красок – всему тому, что уже в скором времени станет основными чертами авангардизма с его поисками новых форм художественной выразительности.

В 19 веке русская живопись прошла длинный и сложный путь развития от классицизма до первых признаков модерна. К концу века академизм полностью изжил себя как направление, уступив место новым направлениям в живописи. Кроме того, искусство стало ближе к народу благодаря деятельности передвижников, а в 90-х годах 19 века были открыты первые общественные музеи: Третьяковская галерея в Москве и Русский музей в Петербурге.

Изобразительное искусство начала 20 века во многом было основано на достижениях русской и европейской живописи конца 19 века. В 1898 году группа художников (А. Н. Бенуа, В. Ф. Нувель, Д. В. Философов) организовала объединение «Мир искусства». За пять лет существования «Мира искусства» в него входили почти все выдающиеся художники начала 20 века: К. А. Сомов, Л. С. Бакст, Е. Е. Лансере, М. А. Врубель, Н. К. Рерих и многие другие. Объединение сыграло очень важную роль в дальнейшем развитии русской живописи.

Главным идеологом «Мира искусства» был А. Н. Бенуа, а организацией выставок и изданием журнала с одноименным названием (1899-1905) занимался С. П. Дягилев, известный меценат и организатор «Русских сезонов» в Париже. В 1906 году при непосредственном участии С. П. Дягилева в Париже открылась выставка «Два века русской живописи и скульптуры». Главное место было уделено картинам русских художников 18 – начала 20 веков. Это была первая крупная выставка русского изобразительного искусства в Европе, и она произвела сильное впечатление, не меньшее, чем русский балет и опера, — настоящий триумф!

На развитие русской школы символизма и модерна большое влияние оказало творчество М. А. Врубеля. Его картины похожи на изображения, составленные из сотен маленьких разноцветных кубиков. Некоторые исследователи видят в художественном методе М. А. Врубеля черты будущего кубизма. Однако его творчество оказало заметное влияние не только на последователей кубизма, но и на все авангардные течения начала 20 века. Среди наиболее известных картин М. А. Врубеля можно назвать «Девочку на фоне персидского ковра» (1886), «Демона» (1890), «Пана» (1899), «Царевну-лебедь», «К ночи», «Сирень» (1900), «Демона поверженного» (1902), «Жемчужину» (1904).

В 1900-1910 годах в русском изобразительном искусстве появляется множество течений: кубизм, кубофутуризм, супрематизм, экспрессионизм, лучизм. Представители каждого из этих течений объединяются в группы, разрабатывают собственные уставы, в которых описывают свои взгляды на изобразительное искусство. Общим для всех этих направлений является отказ от традиционного искусства, поиск новых форм художественной выразительности.

Представители кубизма изображали мир посредством разных сочетаний геометрических фигур, которые лишь отдаленно напоминали предмет. Кубисты как будто раскладывали окружающий мир на простые формы, а потом складывали их в том же порядке, но получившаяся картинка оказывалась искаженным отражением действительности. Кубофутуризм представлял геометрические формы в движении, показывал нестабильность предметов во времени и пространстве. Ярким представителем обоих течений являлся К. С. Малевич.

Революция 1917 года многое изменила не только в общественной жизни, но и в изобразительном искусстве. Художники-авангардисты с воодушевлением приняли общественные изменения и добровольно помогали новой власти «строить будущее». В 1921 году была организована рабочая группа конструктивистов. В нее входили К. К. Медунецкий, А. М. Родченко, В.Ф. Степанова, В. А. и Г. А. Стенберги. Главной задачей конструктивистов стало революционное преобразование жизни и поиск новых принципов конструирования жизненной среды.

Однако уже к концу 20-х годов власть запретила все нереалистические направления в искусстве, а основным и единственно допустимым стал социалистический реализм. Новое направление объявлялось «обязательным методом отражения действительности». Перед художником ставилась задача правдиво изображать действительность в ее революционном развитии и воспитывать граждан в духе социализма. Некоторые художники не смогли с этим смириться и эмигрировали в страны Европы и Америки, другие были репрессированы, третьи отказались от прежних экспериментов в живописи.

В 60-х годах 20 века русское «неофициальное» искусство стало постепенно возрождать авангардизм. «Подпольщики» объединились в Лианозовскую группу. Одним из ее лидеров был О. Я. Рабин. Для его картин характерны городской и сельский пейзаж, написанные в тусклой цветовой гамме, и гротескные натюрморты. В Лианозовскую группу входили также О. А. Потапова, Л. Е. Кропивницкий, В. Е. Кропивницкая, В. Н. Немухин, Л. А. Мастеркова, Н. Е. Вечтомов. Картины каждого художника отличает собственный стиль, но объединяющим началом является «черный юмор», резкая сатира на современное им общество.

Русское изобразительное искусство в 20 веке, как никогда раньше, зависело от общественно-политической ситуации в стране. Но если первые два десятилетия 20 века всеми без исключения исследователями и критиками искусства воспринимаются как «серебряный век» русской культуры, то к советской живописи относятся неоднозначно. Некоторые считают социалистический реализм «искусством официозной иконографии, прославляющим режим и вождей», другие оправдывают советских художников тем, что у них не было другого выхода, третьи настоящим искусством Советской России считают «неофициальное» искусство.

Особенностью изобразительного искусства рубежа 20-21 веков является то, что оно стало свободно от цензурного гнета, от влияния государства, но не от рыночной экономики. Если в советское время профессиональные художники были обеспечены пакетом социальных гарантий, их картины закупались в национальные выставки и галереи, то теперь они могут рассчитывать только на свои силы.

Но русская живопись не умерла и не превратилась в подобие западноевропейского и американского искусства, она продолжает развиваться на основе русских традиций.

Добавить комментарий